1. ¿Porque las vanguardias que surgen a finales de el siglo XIX y principios del siglo XX cierran su ciclo a mediados del siglo xx?
Las últimas tendencias han puesto en relieve, quizá con mayor contundencia, la inviolabilidad de las categorías artísticas del llamado arte tradicional. Si con la irrupción de las primeras vanguardias, el viejo concepto de hegeliano de “muerte del arte” es entendido como una extensión de la idea de artisticidad a manifestaciones u objetos inconcebibles en la tradición clásica, a partir de la segunda guerra mundial los artistas radicalizan aun mas su postura con respecto a las técnicas, los materiales y los asuntos, llevando el fenómeno artístico hasta limites inusitados.
2. ¿Como influye el ambiente de posguerra terminada la 2da Guerra Mundial, en el desarrollo del arte durante las siguientes décadas?
El público se divide en dos grupo: los que comprenden y los que no comprenden.
Los artistas dependerán del sistema galería de arte/critico, el cual hace su propio público, utilizando estrategias de mercado, así atrayéndolos. Otro factor, es el coleccionismo promovido por personalidades notorias.
3. ¿Cuales son las razones por la que los estados unidos se convirtiera en el principal centro de desarrollo del arte y la arquitectura a la mitad del siglo XX.
En Estados Unidos la influencia de los maestros europeos se dejó sentir claramente después de la II Guerra Mundial, especialmente a través de la figura de Louis I. Kahn, en cuyos edificios se puede sentir la monumentalidad de la Roma antigua. Uno de los edificios emblemáticos de este arquitecto es el Museo de Arte Kimbell (1972), en Fort Worth (Texas), donde las bóvedas de cañón se abren por la clave hasta convertirse en lucernarios cenitales.
Los arquitectos alemanes que emigraron a Estados Unidos con la llegada al poder del nazismo, iniciaron allí una corriente más ligada a la tradición constructiva estadounidense. Uno de sus discípulos, Philip Johnson, concretó esta corriente definiéndola como International Style (estilo internacional), en alusión a su falta de referentes nacionales. Dentro de esta corriente se pueden incluir la mayoría de la obras americanas de Mies Van der Rohe, como los edificios de apartamentos de Lake Shore Drive (1951) en Chicago, y el Seagram Building (1958) en Nueva York, este último en colaboración con el propio Philip Johnson. Este estilo degeneró en una arquitectura sin carácter, que se extendió rápidamente por todo el mundo gracias a su inocuidad ideológica y a los enormes beneficios económicos que podía generar a las empresas constructoras.
4. Explicar los siguientes elementos de las tendencias o estilos del arte de la segunda mitad del siglo XX.
A) EXPRESIONISMO ABSTRACTO.
Antecedentes:
El Expresionismo abstracto es un movimiento pictórico contemporáneo dentro de la abstracción, en concreto, las tendencias informalistas y matéricas posteriores a la Segunda Guerra Mundial. Surgió en los años 40 durante el siglo XX en Estados Unidos y se difundió, décadas después, por todo el mundo. Se considera el primer movimiento genuinamente estadounidense dentro del arte abstracto, y ejemplo del liderazgo que, en materia de artes plásticas, asumió Estados Unidos después de la Segunda Guerra Mundial. Por ello fue directamente financiado por la CIA en el contexto de la Guerra fría.
Principales características:
Generalmente son abstractos en el sentido de que eliminan la figuración. No obstante, hay excepciones y algunos emplean trazos figurativos, apareciendo figuras reconocibles, como ocurre con las Mujeres de Willem de Kooning. Las telas presentan un aspecto geométrico que las hace diferentes de movimientos precedentes, como el surrealismo. Una de las características principales de los expresionistas abstractos es la concepción de la superficie de la pintura como all over (cobertura de la superficie), para significar un campo abierto sin límites en la superficie del cuadro: el espacio pictórico se trata con frontalidad y no hay jerarquía entre las distintas partes de la tela. El cromatismo suele ser muy limitado: blanco y negro, así como los colores primarios: magenta, amarillo y cian. Los pintores expresionistas que redujeron la obra a prácticamente un solo color, estaban ya anticipando el arte minimal. Este tipo de cuadros, con violentos trazos de color en grandes formatos, presenta como rasgos distintivos la angustia y el conflicto, lo que actualmente se considera que refleja la sociedad en la que surgieron estas obras.
Representantes:
Willem de Kooning (1904-1997) realiza obras más figurativas que las de Pollock, siendo algo intermedio entre la figuración y la abstracción, es gestual y representativo a la vez. A partir de 1946 pintó abstracciones de figuras biomórficas. Su obra se centró en representar primero la figura masculina, dedicándose, desde 1950, a su serie más conocida, Mujeres. La figura femenina se identificaba gracias a unos senos de enorme tamaño, y sus formas agresivas hacían de ellas símbolos de fertilidad y de madre nutricia, pero también de la mujer erótica o devoradora de hombres. Recurría a colores primarios intensos y vivos, sirviéndole el blanco y el negro para dar toques que realzan las figuras. Sus pinceladas eran violentas, aplicando la pintura de manera totalmente impulsiva.
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B) INFORMALISMO EN E.U. Y EN EUROPA (ARTE METERICO).
Antecedentes:
El informalismo es un movimiento pictórico que abarca todas las tendencias abstractas y gestuales que se desarrollaron en Francia y el resto de Europa después de la Segunda Guerra Mundial, en paralelo con el expresionismo abstracto estadounidense. Dentro de él se distinguen diferentes corrientes, como la abstracción lírica, la pintura matérica, la Nueva escuela de París, el tachismo, el espacialismo o el art brut. El crítico de arte francés Michel Tapié acuñó el término art autre (arte otro) en el libro homónimo, de 1952, sobre el arte abstracto no geométrico.
Principales características:
La espontaneidad del gesto, el automatismo, el empleo expresivo de la materia, inexistencia de ideas preconcebidas, la experiencia de lo hecho hace nacer la idea, la obra es el lugar y el momento privilegiado en que el artista se descubre; es el final de la reproducción del objeto para la representación del tema que se convierte en la finalidad de la pintura, con un aspecto a veces caligráfico, pudiendo hablarse de una «Abstracción caligráfica» en relación con la obra de Georges Mathieu, Hans Hartung o Pierre Soulages.
Representantes:
Lucio Muñoz (Madrid, 27 de diciembre de 1929 - 24 de marzo de 1998), fue un pintor abstracto, uno de los máximos exponentes del informalismo español de la segunda mitad del siglo XX.
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C) NUEVA FIGURACION (EUROPA).
Antecedentes:
La primera tuvo lugar en 1961 y la segunda en 1962, en cuyo catálogo Michel Pagon acota el nombre. Se trata del surgimiento de una alternativa respecto a las tendencias dominantes de abstracción y el reciente nouveau realisme (nuevo realismo). El término agrupa artistas de tendencias muy diversas que participan del subjetivismo y de cierto tratamiento informal, al tiempo que recurren a la representación figurativa.
Principales características:
No presentan un estilo unificado pero si podemos detectar en sus producciones técnicas similares: encuadres cercanos a los del cine y el cómic, pintura al acrílico en grandes superficies lisas, utilización de la fotografía y el episcopio.
Representantes:
Karel Appel. Su primera exposición data de 1946 y fue en Groninga, seguida de otra en Amsterdam. Entre sus influencias están Pablo Picasso, Henri Matisse y Jean Dubuffet. Se une al Nederlandse Experimentele Groep (Grupo Experimental Neerlandés) junto a Guillaume Corneille y Constant y con quienes funda posteriormente el movimiento CoBrA en 1948, junto con Asger Jorn, Jan Nieuwenhuys y Christian Dotremont.
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D) ARTE POP.
Antecedentes:
Movimiento artístico que nace en 1954 cuando Lawrence Alloway utiliza por primera vez el término pop art. Con esta abreviatura Alloway se refería al arte popular que estaba creando la publicidad de masas, y que tenía como objeto principal los intereses colectivos del pueblo, aunque éste no fuera su destinatario. Se trataba de un arte ciudadano, originario de las grandes ciudades y totalmente alienado de la naturaleza, un arte que usaba imágenes conocidas con un sentido diferente para obtener una nueva estética o para conseguir una visión crítica de la sociedad de consumo.
Londres y Nueva York son las cunas del arte pop. Fue en Gran Bretaña donde surgió la primera obra verdadera que se conoce, un collage de Richard Hamilton titulado “Sencillamente, ¿qué hace que los hogares de hoy sean tan diferentes, tan llamativos?”. Pero el primer gran impacto del arte popular en el público británico fue en la “Exposición de contemporáneos jóvenes”, de 1961, que incluía obras de David Hockney, Derek Boshier, Allen Jones, Peter Phillips y R.B Kitaj, y estableció a una generación entera de artistas jóvenes.
En Estados Unidos el arte pop entra en escena en 1961. Por ese entonces en Nueva York ya habían aparecido en escena Robert Rauschenberg y Jasper Johns, dos de los precursores del arte pop americano. Y junto a ellos se fue formando un grupo, con nombres de la talla de Andy Warhol , Jim Dine, Roy Lichtenstein, James Rosenquist, Robert Indiana, Claes Oldenburg y Tom Weselman.
En Estados Unidos el arte pop entra en escena en 1961. Por ese entonces en Nueva York ya habían aparecido en escena Robert Rauschenberg y Jasper Johns, dos de los precursores del arte pop americano. Y junto a ellos se fue formando un grupo, con nombres de la talla de Andy Warhol , Jim Dine, Roy Lichtenstein, James Rosenquist, Robert Indiana, Claes Oldenburg y Tom Weselman.
Principales características:
Los artistas pop pintaban en un lenguaje figurativo temas de la sociedad de consumo, como botellas de refrescos, paquetes de cigarrillos o envoltorios de chicle. Su temática directa y clara lo convirtió en un arte accesible al público en general. El arte pop se nutrió también de imágenes de tebeo, revistas, periódicos, del cine y de la televisión, de anuncios fluorescentes de grandes comercios y de tipografías chillonas.
Representantes:
Andy Warhol, que trabajaba a partir de variaciones fotográficas de un mismo tema mítico. “Maryilin Monroe”, “Elvis Presley”, o “200 latas de sopa Campbell’s” son algunas de sus obras maestras. Warhol quería eliminar de la obra de arte cualquier signo de manualidad, por eso muchas de sus obras están hechas a partir de fotografías proyectadas sobre el lienzo. Otro de los grandes del arte pop es Roy Lichtenstein, el pintor neoyorquino que se inspiraba en los dibujos animados, la publicidad y la televisión para ilustrar sus conocidos cómics.
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E) ARTE CINETICO – OP ART.
Antecedentes:
El arte cinético y el arte óptico son corrientes artísticas basadas en la estética del movimiento. Está principalmente representado en el campo de la escultura donde uno de los recursos son los componentes móviles de las obras. Pictóricamente, el arte cinético también se puede basar en las ilusiones ópticas, en la vibración retiniana y en la imposibilidad de nuestro ojo de mirar simultáneamente dos superficies coloreadas, violentamente contrastadas.
Principales características:
- El arte cinético se basa en la búsqueda de movimiento, pero en la mayoría de las obras el movimiento es real, no virtual.
- Para realizar la obra el artista se plantea y sigue una estructura rigurosamente planificada.
- La mayoría de las obras cinéticas son tridimensionales, se despegan del plano bidimensional.
- Los recursos para crear movimiento son casi infinitos, tales como el viento, el agua, motores, luz, electromagnetismo.
- Busca la integración entre obra y espectador.
Representantes:
Marcel Duchamp, Especialmente conocido por su actividad artística, su obra ejerció una fuerte influencia en la evolución del movimiento pop en el siglo XX. Al igual que este, abominó de la sedimentación simbólica en las obras artísticas como consecuencia del paso del tiempo, y exaltó el valor de lo coyuntural, lo fugaz y lo contemporáneo. Duchamp es uno de los principales valedores de la creación artística como resultado de un puro ejercicio de la voluntad, sin necesidad estricta de formación, preparación o talento.
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F) HIPERREALISMO.
Antecedentes:
El hiperrealismo es una tendencia radical de la pintura realista surgida en Estados Unidos a finales de los años 60 del siglo XX que propone reproducir la realidad con más fidelidad y objetividad que la fotografía. A veces se confunde con el fotorrealismo que es menos radical.
Principales características:
Los artistas hiperrealistas tratan de buscar, con el más radical de los verismos, una transcripción de la realidad usando los medios técnicos y fotográficos de la manipulación de las imágenes. Consiguen con la pintura al óleo o la escultura, el mismo detallismo y encuadre que ofrece la fotografía.
Representantes:
Antonio López García, Sus cuadros se desarrollan a lo largo de varios años, décadas en ocasiones, con una plasmación lenta, meditada, destilando con cada pincelada la esencia del objeto o paisaje, hasta que el artista consigue plasmar la esencia del mismo en el lienzo.
El pintor busca entre la realidad que le rodea aquellos aspectos cotidianos, que él recoge con un tratamiento pleno de detallismo, rozando lo fotográfico. Sus preferencias van desde las vistas de Madrid hasta los retratos de sus familiares, pasando por los objetos más cotidianos y cercanos.
A lo largo de la mayor parte de su carrera artística, Antonio López ha desarrollado una obra independiente, en medio de un panorama artístico estructurado en base al informalismo y la abstracción. Tampoco parece tarea fácil vincular la obra de López con las tendencias realistas europeas más recientes, o con el hiperrealismo americano.
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G) NUEVA ABSTRACCION.
Antecedentes:
Surge en los Estados Unidos a finales de los años 50 como una concepción más formalista que las corrientes que se integran en la Abstracción Postpictórica. La Nueva Abstracción rechaza todo lo que pudiera resultar anecdótico en beneficio de la máxima pureza del lenguaje.
Sus antecedentes se encuentran en las actitudes más radicales de las primeras Vanguardias, particularmente en la Abstracción Geométrica, aunque sin vínculos con el espiritualismo que caracteriza a la producción de maestros como Vasili Kandinsky o Kasimir Malévich.
Principales características:
La obra se define como un sistema cerrado, casi siempre en gran formato, en el que predominan los colores puros, incluso primarios, en soluciones bicrómicas ó tricrómicas sin gradación tonal.
Representantes:
Frank Stella (nacido en Malden, Massachusetts, el 12 de mayo de 1936) es un pintor y grabador estadounidense. Es una figura destacada del minimalismo, la abstracción postpictórica y la litografía.
A partir de 1958, con sus black paintings («pinturas negras»), se convierte en uno de los máximos representantes de la llamada «nueva abstracción», antecedente directo del minimalismo. Fue uno de los creadores y promotores del hard edge («pintura de borde duro»), y del desarrollo de los shaped canvas (o lienzos de formas diferentes a la cuadrangular tradicional, conocida como «pintura de marco recortado»). Sus cuadros-objetos y sus pinturas-relieve han ocupado un papel fundamental en el desarrollo de la neovanguardia norteamericana e internacional.
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H) MINIMALISMO.
Antecedentes:
Se considera que es una reacción contra las formas pictóricas del expresionismo abstracto. Como influencia del minimalismo en la pintura se cita a Ad Reinhardt y sus "Pinturas negras", realizadas al final de su vida. Igualmente, se cita como precedente la tendencia "pintura de los campos de color", dentro del "expresionismo abstracto". Estas obras reduccionistas estaban en claro contraste con las pinturas «mínimas» pero llenas de energía de un Willem de Kooning o Franz Kline y tendían más hacia la "pintura de los campos de color" de Barnett Newman y Mark Rothko. También se ha apreciado la influencia del "Arte del Constructivismo"en esta tendencia.
Los pintores minimalistas recibieron, además, las influencias del compositor John Cage, el poeta William Carlos Williams, y del arquitecto Frederick Law Olmsted. De manera explícita afirmaron que su arte no era una expresión de sí mismos, en completa oposición a los expresionistas abstractos de la década precedente. Muy pronto crearon un estilo minimalista, entre cuyos rasgos estaban: formas rectangulares y cúbicas, que no eran metáfora de nada; igualdad de las partes del cuadro, repetición, superficies neutras, materiales industriales, todo lo cual lleva a un impacto visual inmediato. Suelen realizar telas de gran formato en los que predomina, ante todo, el color.
Principales características:
"Minimal Art" o "Estructuras Primarias" denomina a un grupo de artistas que aspiran a un estilo más estricto geométricamente pero donde la imposición del orden no es inflexible sino más bien moderada. Las diferentes formas están reducidas a estados mínimos de orden y complejidad desde el punto de vista morfológico. Las obras Minimal personifican estados de máximo orden con los mínimos medios o complejidad de elementos y está más interesado por la totalidad de la obra que por las relaciones entre las partes singulares o por su ordenamiento composicional; por eso abunda la Gestalt simple: "el todo es más importante que las partes". .Tanto las propiedades del material, como las de la superficie y el color permanecen constantes con objeto de no desviar la atención de la obra como un todo.
Representantes:
Ralph Humphrey. Influenciado sobre todo por las pinturas de Mark Rothko, el Sr. Humphrey especializada en pinturas monocromas sutilmente variados cuya luminosidad fuerte era casi siempre respondió, a veces perversamente, por gruesas superficies stuccolike. Un azul profundo pero brillante, lleno de indicios de rojo, se convirtió en su tono signatario.
Con los años, sus campos de blanco y negro de la pintura se divide o enmarcadas por bandas de colores contrastantes, y en las dos últimas décadas de su vida se convirtió en los marcos de motivos windowlike a la que el artista de vez en cuando añaden toques de humor: la insinuación de una persiana o tiempo nublado.
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I) ARTE CONCEPTUAL.
Antecedentes:
El arte conceptual se desarrolló a finales de la década de los sesenta e inicios de los ochenta del siglo XX. Los orígenes se encuentran en la obra de Marcel Duchamp, artista de origen francés que ya afirmaba que el concepto era más importante que el objeto artístico.
Principales características:
La característica principal de esta corriente es el predominio de los elementos conceptuales sobre los puramente formales. Así pues, el arte conceptual es una forma de expresión que intenta evitar el estímulo óptico a favor de los procesos intelectuales que el público es invitado a compartir con el artista. Para ello, esta disciplina artística se fija en los ambientes cromáticos, en los luminosos, y en las variaciones sobre la naturaleza.
Representantes:
Joseph Kosuth, Artista estadounidense. Formado básicamente en el campo artístico, también llevó a cabo estudios de filosofía y antropología. Artísticamente parte de la obra de M. Duchamp, al considerar que el arte moderno o conceptual se inicia con el primer ready-made, en cuanto paso de la apariencia al concepto. La obra de 1969 Art after Philosophy es su principal manifiesto y el lugar donde desarrolla la base teórica de sus obras.
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